Adsum scrive:

“…e si accorsero di essere nudi”
Mostra personale di Giovanni Morgese
a cura di: Franco Valente
presentazione di Gaetano Mongelli
Dal 17.11 al 9.12 2023
Inaugurazione Venerdì 17 novembre, ore 18.00

Ho conosciuto Giovanni Morgese esattamente cinquant’anni fa. Era l’autunno del 1972, quando assieme a mio fratello Leonardo si iscrisse al “Liceo Artistico” di Bari. Una scelta che, sono parole sue, pur rivelandosi “non facile e alquanto contrastata in famiglia”, gli aprì le porte dell’Accademia di Belle Arti di Bari. Dove, a fine corso, si diplomerà a pieni voti in Pittura nel 1979 sotto la guida di Michele De Palma, Adele Plotkin, Anna D’Elia e del più vulcanico Pietro Marino: testimoni del suo operato giovanile caratterizzato da “lavori di matrice segnico-informale”, ammaliati dalle inesauribili potenzialità della materia.
In seguito ultimati gli studi accademici Morgese venne allo scoperto, facendosi conoscere intra ed extra moenia. Mi riferisco alla sua prima personale, allestita nel 1980 nella “Galleria Pino Pascali” di Polignano a Mare che, a quei tempi, era allocata in uno spazio sconsacrato: l’ex chiesa di Santo Stefano.
Giovanni Morgese a partire dagli esordi fino agli attuali manufatti, il suo percorso, si è rivelato esemplare, coerente e lineare come pochi: soprattutto nel centrare gli interessi di maggior peso, che ruotano attorno al mistero dell’amore di Dio per l’uomo. Un mistero che, di volta in volta, si fa racconto, scandagliando le lacerazioni che accompagnano la nostra storia di figli di Adamo.
In considerazione del fatto che Morgese si muove in una dimensione in cui non conta la facciata fisica del manifesto, ma la sostanza metafisica della manifestazione. La stessa in grado di riannodare tra loro le relazioni stabilitesi tra cielo e terra, “dal momento che l’atto del re-ligare, riannodare, ingenera la religio”. Una religione che si affida ai “mezzi dell’arte […] umili e inadeguati”, avendo utilizzato di continuo e fino allo spasimo “materiali poveri e naturali, come il legno, il terreno, il ferro”, ma non necessariamente effimeri o di scarto. Un’operazione che, per analogia – senza scomodare Giacometti o altri simulacri – si traduce in “pensiero visivo”, il solo in grado di tradurre una scelta di fede in una scelta di vita.
Gaetano Mongelli
Per info: tel. +39 080 3348982 Fax +39 080 3348982
• Cell. +39 335 7920658 Pagina Facebook: 54 Arte Contemporanea
• E-mail: info@arte54.it http://www.giovannimorgese.it – http://www.arte54.it

PUNTO SULL'ARTE scrive:

CONFRONTI. Dialogo sulla Natura Morta.

VERNISSAGE: SABATO 19 NOVEMBRE 2016, dalle ore 18 alle 21
PERIODO: 20 Novembre – 30 Dicembre 2016

Sabato 19 NOVEMBRE inaugura presso la Galleria PUNTO SULL’ARTE a Varese (Casbeno), la mostra CONFRONTI. Dialogo sulla Natura Morta.
Due sguardi diversi e paralleli sulla natura morta da parte di due artisti che hanno condiviso un pezzo di strada (EMANUELE DASCANIO è stato per un certo periodo a bottega da GIANLUCA CORONA) e che in questa mostra si dividono lo spazio affidandosi uno, Corona, al colore dell’olio e l’altro, Dascanio, al gioco chiaroscurale della matita e del carboncino.
Nei lavori di Corona la frutta, i fiori, gli ortaggi sono raccontati ad altissima definizione in atmosfere rarefatte, indefinibili, senza tempo, allineati quasi in un omaggio alle teorie di bottiglie di un grandissimo maestro come Morandi. La sensazione di una personalizzazione dell’oggetto è tangibile nella sottintesa espressività, in una sorta di emotività che l’artista riesce ad attribuire alla natura inanimata anche solo attraverso l’inquadratura, o scegliendo frutti e ortaggi dalle forme inconsuete, o, ancora, focalizzando sull’imperfezione, magari sul segno lasciato dal becco di un uccello. Una suggestione al ritratto che in Dascanio si fa ancora più pressante nella decisione di affondare l’oggetto in uno spazio nero e indefinibile e poi di farlo emergere come se fosse solo sostanziato di luce. Il cocco spaccato che ci mostra impudico il suo cuore polposo – così come il limone che galleggia nell’aria – ci appare come al centro di un palcoscenico, inondato dalla luce di un riflettore, e così sembra parlarci, declamare, quasi; mentre la luce attraversa le foglie scolpendone pori e nervature oppure si fa scultura astratta in un semplice groviglio di cellophane.

EMANUELE DASCANIO: Giovane maestro dell’iperrealismo, realizza dipinti incredibilmente dettagliati, prevalentemente raffiguranti ritratti e nature morte utilizzando grafite e carboncino. Nasce a Garbagnate Milanese nel 1983. Dopo essersi diplomato al Liceo Artistico Lucio Fontana di Arese, nel 2003 si iscrive all’accademia di Brera, sezione pittura, che abbandona dopo solo sei mesi. Continuando, però, a sentire il desiderio ed il bisogno di una crescita artistica, nel 2007 approda nello studio del maestro Gianluca Corona, trovando in lui un valido maestro ed apprendendo la tecnica della pittura ad olio. Attraverso l’utilizzo delle antiche tecniche rinascimentali applicate al contemporaneo senso del fotorealismo, Dascanio cerca di indagare attraverso la pelle della realtà il suo senso intrinseco e profondo. Ha partecipato a molti concorsi e mostre collettive a livello nazionale e internazionale, classificandosi sempre ai primi posti. Le sue opere sono presenti in prestigiose collezioni private in Italia e all’estero.

GIANLUCA CORONA: Nasce a Milano nel 1969. 
Nel 1991 si diploma all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. 
Dal 1994 al 1996 frequenta lo studio di Mario Donizetti a Bergamo.
 Successivamente, inizia la sua attività professionale distinguendosi nel panorama artistico come esponente della giovane figurazione italiana. La sua opera si ispira all’arte dei grandi Maestri del VI° e XVII° secolo ed offre una rilettura, in chiave contemporanea, dei generi della natura morta e del ritratto; particolare attenzione è dedicata all’utilizzo di tecniche e materiali tradizionali. Ha esposto in numerose rassegne in Italia e all’estero e le sue opere sono conservate in collezioni pubbliche e private. Vive e lavora a Milano.

PUNTO SULL’ARTE
Viale Sant’Antonio 59/61, Varese
0332 320990 I info@puntosullarte.it
Martedì – Sabato: h 10-13 e 15-19
Tutte le Domeniche dal 20/11 h 15-19

Alberto Pastorelli scrive:

Pictures At An Exhibition
A photographic interpretation and homage to Keith Emerson by Alberto Pastorelli

Rivisitazione in chiave fotografica del celeberrimo Quadri ad una esposizione di Ravel nel ricordo dell’indimenticabile interpretazione rock di Emerson Lake & Palmer.
Si ringrazia William Neal , autore dei quadri dell’originale copertina, per la gentile concessione

ADSUM arte scrive:

Un grande dipinto dell’artista Maria Bonaduce per la nuova Biblioteca del Pontificio Seminario Regionale di Puglia.

Mercoledì 9 dicembre alle ore 17,00, in occasione della Conferenza Episcopale , verrà inaugurata e dedicata a S. Tommaso la nuova sede della Biblioteca del Pontificio Seminario Regionale “Pio XI” di Molfetta. progettata dall’architetto Antonio Grasso. L’inaugurazione e dedicazione avranno luogo alla presenza dei diciannove Ecc.mi Arcivescovi e Vescovi di Puglia nonché di Mons. Adriano Bernardini, Nunzio Apostolico in Italia, che presiederà anche il rito della benedizione.
All’artista terlizzese Maria Bonaduce è stata affidata la realizzazione di un grande dipinto (cm.450 X cm.200) rappresentante la “ Sapienza della Croce”, che occuperà la parete centrale del salone di lettura. La Bonaduce non è nuova alle tematiche inerenti il Sacro infatti suoi dipinti e vetrate istoriate sono presenti in numerose chiese e noti monasteri italiani come Cascia e Gubbio.
Introdurrà l’attuale rettore del Seminario Mons. Gianni Caliandro che succede al nuovo vescovo della diocesi di Cerignola e Ascoli Satriano S.E. Mons. Luigi Renna promotore del progetto coadiuvato da don Angelo Mazzone.

Pontificio Seminario Regionale pugliese” Pio XI”
v.le Pio XI n. 54 – Molfetta
http://www.seminariomolfetta.org/

Silvia Ranzi Communication scrive:

Al via un’installazione e una raccolta fondi rigenerativa nel salone di via
Marghera, a favore delle strutture della casa di riposo per musicisti.

CRACKING ART E OREA MALIA’
FRUTTELLI D’ITALIA
“Viva Verdi”

L’ARTE RIGENERA L’ARTE

Sulle note saporite di Fruttelli d’Italia e al grido di Viva Verdi prosegue, nell’anno dell’Expo
rinascita – o meglio, del Rigeneramento – del patrimonio artistico e monumentale nazionale.

Questa volta l’operazione è condotta e promossa grazie al connubio, già sperimentato a Bologna
per i portici di San Luca, Cracking Art – Orea Malià.

Dal 3 giugno al 31 ottobre, per tutta la durata dell’Esposizione Universale a Milano, gli animali
Cracking invaderanno lo spazio dello storico salone Orea Malià in via Marghera, accompagnati
da festoni e filari di frutta e ortaggi Cracking. Il tutto, come sempre, in plastica atossica
rigenerabile, simbolo e materia ormai noti di Rigenerazione dell’arte con l’arte.

Fruttelli d’Italia è il titolo dell’installazione, in accordo quasi naturale, e senza averlo
premeditato, con la sorpresa regalata dal coro delle voci bianche all’inaugurazione dell’Expo,
che ha modificato l’inno, invocando la “vita” sulla “morte” prescritta dai versi di Mameli.

Ecco che oggi siamo dunque tutti fruttelli d’Italia e tutti pronti a una vita migliore per la patria dell’arte, del gusto e del bello.
Viva Verdi è infatti testimonianza, nella rinnovata collaborazione con Orea Malià, di una
particolare passione comune per il gusto e per il bello estetico, a maggior ragione in Italia e
nella Milano dell’Expo.

Così nasce, insieme, l’iniziativa di una raccolta fondi per il restauro e il mantenimento delle strutture di Casa Verdi, in piazza Buonarroti, che ha da poco presentato al pubblico gli orti di Giuseppe Verdi all’interno della casa di riposo per musicisti.

Chi vorrà partecipare al rigeneramento di Casa Verdi, nella tradizione consolidata dell’Arte
che rigenera l’arte, potrà devolvere un contributo minimo di 20 euro e avrà in cambio un’opera/frutto speciale a scelta tra:

#bananatraviata
#vapensieroallepere
#melamelodica
#melonedramma
#asparigoletto

Tania Sabatino scrive:

CIRO POMPEO
mi arrampico senza vedere

SOLO EXHIBITION
a cura di Gina Affinito
05 giugno – 5 luglio 2015
Palazzo S. Agostino – Salerno
testo critico Carlo Roberto Sciascia
Vernissage venerdì 5 giugno h 17.00
Sala Giunta

Ciro Pompeo, nato a Napoli il 28 maggio 1979, fin da giovane sviluppa una spiccata vena artistica.

Dipinge il suo primo quadro nel 1992. Tiene viva questa passione nel corso degli anni grazie ai viaggi, all’incontro con diversi artisti del panorama italiano e non, ed al bagaglio di emozioni esprimibili attraverso l’arte. A soli venti anni parte per Londra ed in seguito si dedica agli studi di “chimica generale” dando seguito alla passione giovanile per il “comportamento” dei materiali, nata anche attraverso l’esperienza presso l’azienda familiare.

Oggi vive ed esprime la sua prima passione in Pompei. Autodidatta, non proveniente da studi accademici, crea e plasma materiali grezzi trasformandoli in vere e proprie opere d’arte. Per Pompeo l’arte è, in sostanza, l’indicibilità della vita, non dissimile dai gesti più naturali e semplici come respirare, ascoltare, “sentire” le sensazioni.

Non occorre soltanto esprimere una tecnica artistica, ma raggiungere la visione generale delle cose. Interrogarsi sul mistero della passione artistica diventa un penetrare nella propria anima. Questo interrogarsi diviene la “Risposta”.
L’artista Pompeo utilizza, per la realizzazione delle sue opere, una tecnica da lui stesso elaborata: la miscelazione di materie come paste cementizie, collanti, colori acrilici e l’apporto fisico e materico di legno, polietilene, assemblati su un supporto di poliestere espanso.

Il continuo desiderio di “giocare” con la materia, miscelare, comporre.
“Tutto quello che avviene è inesprimibile e si compie in una ragione invulnerata del nostro sentimento”
R. Maria Rilke

Le Opere

Al parco con il mio migliore amico
All’orizzonte
Appocundria
Comfort Zone
Adamo
Eva
Hotel a 5 stelle
Le attese di Maggio e di Giugno
Matt Control
Mi arrampico senza vedere
Opera n. 53
Ostello della gioventù Rimessaggio
Spiacevoli reazioni
Punta Licosa
Giardino fiorito
Inciampo
Alligatori
Costiera Amalfitana
Affanni
Dissesto

Esposizioni

II edizione del concorso sc’Arti in mostra. Museo Irpino, Complesso Monumentale ex Carcere Borbonico di Avellino 2015
Premio Art Gallery 2013
Premio Terna 2014
TERRA FURORIS, mostra d’arte contemporanea in collaborazione con il
Comune di Furore, a cura di Gina Affinito
FURORE PAESE DIPINTO opera in permanenza collocata per la rassegna
“Furore Muri in cerca d’Autore”
Italian Soul – Dubai Contemporary Art Exhibition, mostra d’arte contemporanea in UAE, dicembre 2014 a cura di Gina Affinito (I edizione)
Italian Soul – Abu Dhabi Art Hub, mostra d’arte contemporanea in UAE, marzo 2015 a cura di Gina Affinito (II edizione)
ufficio stampa Tania Sabatino
documentazione immagini vernissage Alessandro Santulli
progetto grafico Mariano Cervone

Contatti ed orari

http://www.ciropompeo.com
ciropompeo@gmail.com
curatela: Gina Affinito art consultant & curator
gina.affinito@gmail.com – 327.3463882
La mostra è visitabile dal lunedì al venerdì in orario di apertura al pubblico della
Provincia e si articola nelle sale poste al secondo piano di Palazzo S. Agostino.

Si ringrazia per aver reso possibile questa mostra il Presidente della Provincia di
Salerno, dott. Giuseppe Canfora, la dott.ssa Maria Mastrullo, ed il Sindaco di Furore
Raffaele Ferraioli.

Alberto Pastorelli scrive:

…per forza o per amore …
personale fotografica di Alberto Pastorelli

Viaggio di un fotografo al seguito della Priora Contrada della Civetta nella sua ultima ed esaltante vittoria !
Dalla benedizione del Cavallo al Giubilo finale in Duomo, immagini che rendono Siena e la sua festa uniche nel mondo.

Pavia, Libreria il Delfino

dal 13 Giugno 2015 al 12 Luglio 2015
orario continuato eccetto sabato e domenica (chiusura a pranzo) – ingresso gratuito

———————————
Alberto Pastorelli
“…Ha pubblicato su riviste nazionali come ad es. Oasis, il Venerdì di Repubblica…Ha partecipato a numerosi libri fotografici come ad es. : Animali della Toscana di Erasmo D’Angelis, Progetto Osprey di F. Monti e A. Troisi , L’aquila dei serpenti – di Francesco Petretti – autore di mostre fotografiche tra le tante “scatti sulle punte” , Maremma

Alessandro Zeverino scrive:

Vi segnaliamo la mostra di arte contemporanea White Noise di André Komatsu, che sarà ospitata dalla Galleria Candido Portinari, presso l’Ambasciata del Brasile – Piazza Navona 10 Roma (Ingresso gratuito dall’11 maggio al 5 giugno).

André Komatsu rappresenterà il Brasile nella 56° edizione della Biennale Internazionale d’Arte di Venezia e in questa personale mostra come la dittatura provava a cancellare le radici culturali del popolo brasiliano.

In “White Noise” l’artista dà continuità alla sua recente ricerca, che, attraverso l’errore, l’incidente e il conflitto, presenta possibili alternative per sistemi ampiamente inseriti nella contemporaneità, problematizzando, con tali procedimenti, questioni come la costruzione, la decostruzione, la cancellazione o, perfino, la riaffermazione di informazioni perdute.

BIO dell’artista: André Komatsu nasce nel 1978 a San Paolo, dove tutt’oggi vive e lavora. E’ uno degli artisti contemporanei più noti in Brasile. Ha esposto al Bronx Museum di New York, al Drawing Room di Londra, ha partecipato alla Biennale di Arti Grafiche a Lubiana, alla Biennale Monterrey FEMSA a Città del Messico e ricevuto il Premio Illy for Sustain Art, assegnato da ARCO Madrid.

Komatsu descrive la sua opera come riflesso di una serie di percezioni che nascono percorrendo strade e spazi urbani. Gli oggetti e i materiali che convergono verso il suo universo artistico sono, al di là delle apparenze, inviti alla resistenza sociale.

Esposizione: “White Noise” personale di André Komatsu
PERIODO: dall’11 maggio al 5 giugno 2015
ORARI: dal lunedì al venerdì, ore 11-17
LOCALE: Galleria Cândido Portinari – Ambasciata del Brasile a Roma
INDIRIZZO: Piazza Navona 10
TEL.: +39 06.68398456
WEB: roma.itamaraty.gov.br

Tania Sabatino scrive:

Il progetto
Al via La Call For Artist, dedicata alla mostra collettiva “Milano Art Week – Ode To Food”. L’artista è chiamato a confrontarsi con il tema “Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita” ed a proporre l’opera ponendo l’attenzione al cibo come nutrimento di corpo ed anima ed al rispetto per l’ambiente. L’artista integrerà la sua opera con una Ricetta Culinaria di sua scelta, la quale dovrà avere un nesso con l’opera presentata, oppure rafforzarne il tema.
Perché, come diceva il filosofo cinese Confucio: “”Non c’è uomo che non possa bere o mangiare, ma sono in pochi in grado di capire che cosa abbia sapore”

Il nucleo tematico
La storia del cibo da sempre cammina a braccetto con la storia dell’essere umano tra grandi e piccole vicende di cui recano traccia i libri di testo. L’Egitto, La Grecia, Roma, l’alto ed il Basso Medioevo, i Tempi Moderni, l’Età contemporanea. Il grande inventore della psicanalisi, Sigmund Freud, parlava della necessità di avere cibo per l’anima oltre che per il corpo e ne rintracciava nei baci una fonte primaria, ad esempio. Si può delineare un percorso circolare: da un rapporto stretto con la natura ed i suoi ritmi ad un progressivo svincolamento ed il verificarsi di quella che si può definire un’inversione dei ritmi naturali ed una progressiva “spoliazione” della terra, un’alimentazione “vorace” e sempre più distruttiva. E poi il tentativo di piegare la natura alle esigenze umane, trasformandone la struttura dal profondo, attraverso le modificazioni genetiche ed i cibi transgenici, fino a giungere ad una parziale inversione di tendenza, con uno spiccato anelito al ritorno alle origini, rappresentato dall’alimentazione biologica, vegetale, vegana, il crudismo e tutte le nuove tendenze “new age” ed olistiche.

La mission degli Organizzatori
Scopo storico dell’Associazione Arianna è quello di confrontarsi con realtà artistiche differenti promuovendo l’arte in tutti i suoi linguaggi e le varie forme espressive, e favorendone lo scambio e l’incontro aperto. Con la Mostra “MILANO ART WEEK – Ode To Food” si vuole rientrare a pieno titolo nel contesto dell’Esposizione Universale Milano Expo 2015, il cui tema è tema “Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita”,

Patrocini
La Rassegna è realizzata con l’Alto Patrocinio Morale UNESCO Napoli, sotto gli auspici di EXPO in città 2015 e rientra tra le iniziative artistiche sponsorizzate e supportate dalla Camera di Commercio di Milano.
La Location
Due Gallerie in Milano in due zone di prestigio:
- Galleria “Chie Art Gallery” (Viale Premuda 27 – http://www.chieartgallery.com)
- Pisacane Arte (Via C. Pisacane 36 – http://www.galleria.pisacanearte.it)

Le date
Il Centro Culturale Arianna, che ripropone la formula della doppia inaugurazione, ha individuato come periodo di esposizione (di apertura e chiusura della collettiva) le seguenti date:
27 giugno – 9 luglio 2015
Vernissage presso la Chie Art Gallery il 27 giugno 2015 h 19.00
Vernissage presso la Pisacane Art Gallery il 2 luglio h 19.00
Dimensioni opere
L’artista partecipante avrà a disposizione uno spazio di cm 100×100 per l’allogamento delle sue opere. Egli può scegliere di presentare 1 o più opere per ogni galleria, purché entrambi dialoghino tra loro in funzione dello spazio e siano rientranti nella misura massima consentita (cm 100×100)

L’artista partecipante avrà diritto a
- Pergamena attestante la partecipazione
- Progettazione grafica e distribuzione materiale grafico pubblicitario (Locandina, Invito, Catalogo)
- Foto che documentano interamente la manifestazione e video
- Brochure con tutte le opere della mostra
- Allestimento e disallestimento
- Rassegna Stampa nazionale
- Vernissage

Per partecipare
Per la partecipazione alla selezione l’Artista dovrà compilare il form presente nella pagina http://www.arsdocet.org, oppure fare richiesta del regolamento all’indirizzo gina.affinito@gmail.com
Deadline
L’ultimo giorno per l’invio del materiale di adesione e per effettuare il pagamento della quota di partecipazione è stabilito nella giornata del 16 giugno 2015
L’organizzazione avrà il diritto di riprodurre, pubblicare, registrare e comunque utilizzare senza riserva alcuna ed in qualsiasi forma immagini, suoni e quant’altro relativo alle opere partecipanti, per la promozione dell’intero evento.

Il team
Immacolata Maddaloni (Presidente)
Gina Affinito (Curatela e contatti con gli Artisti)
Tania Sabatino (rassegna stampa)
Mariano Cervone (impaginazione grafica)
Ivan Pili (coordinamento generale)
Claudia Capozi (segreteria)

Per richiedere ulteriori informazioni che non siano indicate nel presente comunicato, contattare la curatrice Gina Affinito ai numeri 327.3463882 (Italia) – 971.554732207 (Emirati) o scrivere a gina.affinito@gmail.com

Addetto Stampa: Dr.ssa Tania Sabatino
Ph. +393205741842
E-mail press.office.eu@gmail.com

Matilde Tiriticco scrive:

Atelier Home Gallery presenta:

“La Quantica del Colore”
di Roberta de Jorio

Venerdì 16 gennaio 2015, ore 18.30
Via della Geppa, 2 Trieste

Venerdì 16 gennaio, ore 18.30, verrà inaugurata presso la sede dell’Atelier Home Gallery di Trieste la mostra d’arte di Roberta de Jorio, intitolata “La Quantica del Colore”.

Alla presenza della pittrice e dell’intervento critico del M° Roberto del Frate.
Il discorso artistico proposto da queste opere tratta “totem e tabù; la vicinanza di questi epiteti li rende quasi sinonimi, sovrapponibili.
Il totem è visto in questa sede come un pretesto; qualcosa a cui legarsi, da cui dipendere, a cui obbedire e non trasgredire: una composizione intellettuale ed una creazione contestuale assieme, da cui partire e riflettere.”, adoperando le parole del M° del Frate.

Parlare e conoscere Roberta de Jorio attraverso le sue opere si denota come un incontro con un’artista che, se riusciamo a seguire, a perderci nelle sue opere, potrebbe farci comprendere che le cose non erano mai state come le vedevamo e che grazie all’Arte possiamo ora scorgerne altri lati, prospettive, visioni, baratri, e limiti.

E’ con molto piacere, quindi, che portiamo alla vostra gentile attenzione questa pittrice dalla peculiare forza pittorica e dalla raffinata elaborazione intellettuale di formazione psicanalitica, con questa mostra che rimarrà visitabile presso l’AHG fino al 27 gennaio 2015.

Per maggiori info, consultare il sito:
http://atelierhomegallery.wix.com/atelierhomegallery
O richiedere ai seguenti contatti:
e-mail: atelierhomegallery@gmail.com
tel.: 348 9278461

Costanza Barbera scrive:

A WORK OF ART IS A CONFESSION*

Antonio Syxty torna ad esporre nello spazio creativo di Orea Malià, in via Marghera 18, a Milano.
La personale verrà inaugurata giovedì 13 novembre, alle 19.30

A Work of Art is a Confession* è il titolo della nuova personale di Antonio Syxty, che verrà ospitata nello spazio creativo di Orea Malià, in via Marghera 18 (cortile interno), a Milano, dal 13 novembre 2014 al 10 gennaio 2015.

L’artista inaugura la sua nuova mostra scegliendo una linea di confine fra privato e pubblico, fra esibizione e confessione, fra riconoscimento e dichiarazione, fra menzogna e verità: l’arte può essere anche una forma di confessione? E la confessione può diventare una forma d’arte? Confessione dell’artista verso il mondo? O confessione del mondo verso l’artista? Menzogna dell’arte e verità della confessione, o viceversa?
Natura e politica, economia e scambi commerciali si mescolano in questa serie di opere che hanno tutti lo stesso titolo: “unknown”, “sconosciuto”. Ogni unknown è però seguito da un numero (inventato dall’artista), che è seriale, così come seriale diventa sempre di più l’identificazione in codici della nostra esistenza sociale, in qualunque paese, a qualunque latitudine (Codice Fiscale, Social Security Number, National Insurance Number e così via).
Queste identità – sconosciute, appunto – guardando l’obbiettivo del fotografo mettono in atto una muta confessione, che a sua volta si ribalta o si rifrange in chi guarda l’opera.
Alcuni ritratti fotografici sono di Olivia Gozzano, altri di Alessandro Saletta e altri ancora invece fanno parte di quelle immagini rese anonime dal web e scelte dall’artista per il suo intento confessionale e insieme esibizionistico.
L’intenzione è quella di tracciare un percorso ambiguo e fuorviante fra ciò che è pubblico e ciò che è privato inserendo un filtro colorato/colorante davanti alle immagini a loro volta volutamente impoverite, decolorate, fotocopiate, plastificate con l’intento di mentire, spersonalizzando il soggetto.
Compaiono anche – sempre con il titolo di unknown – alcune identità note all’artista, come alla gran parte delle persone, ma non per questo meno sconosciute delle altre (Yuri Gagarin, John Lennon, Harvey Oswald, Jan Palach, Kim Jong-Un, Milton Friedman, Michail Kalashnikov).
Anche queste identità – di dominio pubblico – vengono trattate dall’artista e contrapposte talvolta a uno spazio bianco o unite da un limbo rosso, con l’intento di suggerire a chi guarda l’opera, attraverso lo spazio vuoto, una nuova possibilità di identificazione o di immaginazione del soggetto ritratto, quasi in forma di you do the portrait.
A far da contrappunto agli unknown umani ci sono gli animali, trattati anch’essi allo stesso modo. In questo caso l’intento è quello di capovolgere il gioco della confessione dichiarando che la vera natura animale si fa portatrice dell’assetto socio-economico del sistema, mentendo a se stessa in una muta confessione degenerativa che diventa scambio commerciale abnorme e surreale.
E a sovrintendere al gioco della confessione alcune opere di grande formato – anch’esse su tela – si ispirano invece all’opera di Beuys e al movimento situazionista e surrealista riproponendo un nuovo ordine costituito, tentando di strutturare il pensiero eversivo dell’arte in una sorta di codice per una nuova pietas. O per una nuova vanitas dell’arte?
Tutte le opere sono realizzate con tecnica mista, su carta, legno, canvas e poliestere bianco.

La mostra rimarrà aperta fino al 10 gennaio 2015, nei seguenti orari: dalle 9.30 alle 19.30
(martedì, mercoledì e venerdì); dalle 11.00 alle 21.00 (giovedì); dalle 9.00 alle 19.00 (sabato).

*A WORK OF ART IS A CONFESSION fa parte del ciclo MONEY TRANSFER ART PROJECT

Chi è Antonio Syxty

Regista di teatro, cinema, televisione ed eventi speciali, Syxty inizia nella seconda metà degli anni ‘70 come performer nelle gallerie d’arte e negli spazi underground, collaborando con artisti, designer, architetti e musicisti di quel periodo. Il suo è un percorso fortemente segnato dall’arte concettuale e comportamentale di quegli anni.
Negli anni ’80 il suo percorso si sposta progressivamente verso il teatro, che lui stesso indica come un’arte comportamentale con infinite derive e declinazioni legate allo scambio delle identità e al situazionismo narrativo.
Da allora il suo percorso si formalizza nella professione di regista, prima di teatro poi di cinema e televisione (RAI, Mediaset), con frequenti contaminazioni in altri ambiti della comunicazione (pubblicità, film istituzionali, moda, concerti e qualsiasi altra forma di evento dal vivo), fino a definirsi, in alcuni casi, come un regista di spazi e di comportamenti.
Dal 2007 ha iniziato un progetto artistico chiamato Money Transfer, che trae ispirazione dagli effetti emotivi causati dal denaro e dall’economia nella nostra vita di tutti i giorni. Il progetto iniziato con un’indagine legata al plastic money (carte di credito come opere d’arte) si è espanso progressivamente e naturalmente proliferando in una sorta di economia globale del gesto artistico.

Andrea Barretta scrive:

Brescia, Galleria ab/arte: 25 ottobre > 20 dicembre 2014
Realismo e simbolismo nella pittura d’espressione

A cura di Andrea Barretta
Allestimento di Riccardo Prevosti

Pietro Agnetti, Piero Albizzati, Luigi Bisotti, Leo Borghi, Eugen Ciuca, Vittorio Maria Di Carlo, Eliano Fantuzzi, Vittorio Felisati, Corrado Fergnani, Piero Gauli, Fathi Hassan, Renzo Margonari, Pippo Oriani, Lorenzo Palazzi, Riccardo Schweizer, Domenico Seren Gay, Roland Tapì, Mario Vergani.

Il realismo come idea di ricerca e il simbolismo come rappresentazione stilistica nella pittura d’espressione dell’atto di comunicare ad altri quanto si sente, richiamano l’immagine di elementi della percezione sensoriale o di forme allusive nella sintesi che racchiude contenuti essenziali nell’opposizione tra figurazioni provenienti dalla diretta analisi del vero e la misura della visione interiore attraverso i modi dell’idea.
Senza risalire al Manifesto del Simbolismo del poeta Jean Moréas (1886), dove si spiega l’operare dell’artista che si muove nel visibile per ritrarre l’invisibile della realtà allo scopo di evidenziarne altri lineamenti, né riandare al cosiddetto Manifesto del realismo (1946) più conosciuto come “Oltre Guernica”, in cui s’indicava che “la realtà non è il reale”, la mostra intende restare nell’esame obiettivo di un tempo ideale, rivolgendosi a un pubblico che sia sensibile a evocare piuttosto che a cercare corrispondenze tra oggettivo e soggettivo, tra esplicito e implicito.
Se in quegli anni si affermava che “realismo” non vuol dire naturalismo o verismo o espressionismo, “ma il reale concretizzato dell’uno, quando determina, partecipa, coincide ed equivale con il reale degli altri, quando diventa, insomma, misura comune rispetto alla realtà stessa”, l’esposizione alla Galleria ab/arte invita a lasciarsi catturare dalle sensazioni dei “paesaggi”, oltre il pensiero che rimembra in quello di Mario Vergani o come per quello di Corrado Fergnani nei colori e nelle luci della mimesi, oppure tra gli alberi di un bosco onirico dipinto da Piero Albizzati o lasciarsi trasportare dalle “vele” di Domenico Seren Gay in un mare immaginario. I riferimenti, allora, seppure a volte complessi, saranno concetti connessi tra arte realista e arte figurativa, arte platonica e arte spirituale, tra l’assunzione dell’io e il mistero dell’anima, che sono processuali ben oltre il loro inizio in “movimenti” che hanno interessato l’Europa. Di riflesso, però, la funzione anticlassicista ha assorbito l’assunto concreto di un pensiero che in sostanza va (e ritorna) all’apparenza, non solo con riferimento alla tecnica o alla metodologia di una maniera teorizzatrice dell’attività artistica ma nella critica con la cultura contemporanea del “vero reale” come suggeritore del bello e del sublime nel rapporto tra un’arte realista e un’arte visionaria.
La rassegna, dunque, intende accostare la pittura d’espressione, colta e intellettuale, nell’eversione delle avanguardie di fronte alla creatività che pone un’inversione di tendenza rispetto al naturalismo e alle ricerche artistiche del Novecento. E l’orizzonte culturale è l’approccio a temi e soggetti che attivano uno straordinario dinamismo a trasmettere mediante l’arte i moti interiori dello spirito, nel momento dell’incontro nella materia pittorica e nel ruolo della tradizione attorno alla modernità che non predilige, ma neanche abbandona, la “figura” che nella mostra è esibita da Luigi Bisotti e Piero Gauli (già nel 1948 alla Biennale di Venezia), e dal soggetto che si fa evanescente in Eliano Fantuzzi, puramente traccia in Eugen Ciuca e nuova figurazione in Vittorio Maria Di Carlo.
Non solo sperimentazione, dunque, ma realismo e simbolismo percepibili nella scomposizione e ricomposizione della “Natura morta” di Pippo Oriani e la sua pittura influenzata dal futurismo e dal cubismo (già nel 1938 era all’Expo di Torino), fino all’assieme di pennellate per un mare in tempesta di Piero Agnetti. C’è, inoltre, la diversione rispetto al contenuto dialettico verso una parabola che si apre all’universo fiabesco di Roland Tapì, a segnare il contrasto della raffigurazione iconica, nella sintonia colorista di un “mercato” assolato descritto da Lorenzo Palazzi, attualizzandone la dimostrazione più viva, o nella serenità e nella pace di un canale veneziano di Vittorio Felisati, riflesse in tinte morbide e calde.
Poi, il percorso della mostra va anche in una pittura che si propone di esplorare le suggestioni nell’avvincente e personale predisposizione all’emozione, nell’empatia e nella sintonia con l’armonia, nel saper trascendere e distanziarsi da quell’arte abusata che ha rotto canoni ed equilibri in “cose” sfuggenti e strane, che vorrebbero scoraggiare questi sentimenti, benché – scrive Erich Fromm – “senza dubbio il pensiero creativo, come ogni altra attività creativa, sia inseparabilmente legato alle emozioni”, ed “essere emotivo è diventato sinonimo di instabile e squilibrato”.
Ecco, allora, che all’interno di questo contesto, realismo e simbolismo offrono la sinergia entro opere che conducono alla manifestazione del turbamento, in uno spazio preliminare creato da un inno alla diversa natura disegnata come epifania creatrice, come forza identificabile nell’originalità e, soprattutto, dall’ascolto “sensibile” che si fa esperienza, perché la bellezza da cogliere è principalmente in noi, perché il fine dell’arte non è stimolare sentimenti, ma l’universalità di un medium tra quanto osserviamo e i significati di una narrazione descrittiva e interpretativa.
E’ questa la dimensione che metterà in contatto con l’arte, con la possibilità di approfondirne l’aspetto attivo e non passivo della “conoscenza”, in virtù di una riformulazione dell’arte che sia rivelazione simbolica di un’unica realtà, come nelle tonalità e negli accostamenti cromatici di Renzo Margonari che prospetta l’immaginario e il fantastico surreale, così come per il senso esistenziale di Piero Albizzati nel sovvertire piani semantici. Fino all’affermarsi di un insieme artistico non conformista ma poetico, nella “coscienza della specificità”, ha scritto Vittorio Sgarbi per Riccardo Schweizer, proposto in mostra con un’importante opera dalla vibrante corporeità, o nella capacità di Angelo De Bortoli di far vedere più punti focali. Infine, il silenzio. Entriamo nel “Contenitore di memoria” di Fathi Hassan, e il deserto diventa simbolo nei granelli di sabbia che formano arabeschi sulla tela che accompagnano verso arcaici linguaggi.
Ora, l’approdo in questa pittura d’espressione sarà introspettivo nella libertà illuminata dal nostro essere in una storia, quella di un’arte oltre il fluire di ordini e divisioni o appartenenze, costituita da artisti che non presentano l’impresentabile di tanta arte contemporanea ma l’onestà che appartiene a loro e a tutti noi pur nella libertà d’espressione e in una riflessione critica. Solo così l’opera d’arte può acquisire la sua necessaria autonomia.
Andrea Barretta

Centro Arti Visive Pescheria scrive:

AUTUNNO IN PESCHERIA
Tre appuntamenti da non perdere all’insegna dell’arte e del diletto!
Ciclo di aperitivi culturali* per le domeniche di ottobre.

1° appuntamento: Domenica, 12 ottobre 2014 (giornata F@MU)
Ore 09.30 – Walkscape “Camminare per conoscere la città” con Ittico Museum Experience
Ore 17.30 – “Il mondo in uno scatto. La fotografia nell’arte italiana delle ultime generazioni”, conferenza di Ludovico Pratesi
Ore 17.30 – Laboratorio per bambini con Ittico Museum Experience
Ore 19.00 – Aperitivo in collaborazione con Bartendher

2° appuntamento: Domenica, 19 ottobre 2014
Ore 17.30 – “La Bellezza è… donna!”, conferenza di Anna Pia Giansanti
Ore 17.30 – Laboratorio per bambini con Ittico Museum Experience
Ore 18.30 – Aperitivo in collaborazione con Bartendher

3° appuntamento: Domenica, 26 ottobre 2014
Ore 17.30 – “Storia della Pescheria e della chiesa del Suffragio”, conversazione tra Ludovico Pratesi e Giovanna Patrignani
Ore 17.30 – Laboratorio per bambini con Ittico Museum Experience
Ore 18.30 – Aperitivo in collaborazione con Bartendher

Gli adulti potranno seguire ‘spensierati’ le conferenze (ingresso Corso XI Settembre 184) perché ai bambini ci penserà Ittico! Il laboratorio a tema si terrà infatti nell’aula dedicata alla didattica (ingresso via Cavour, 5/7)

Si ringraziano:
Comune di Pesaro, Bertozzini Costruzioni, Gamba Manifatture 1918, Ifi-Arredi Bar Gelaterie Pasticcerie, Isopak Adriatica Spa, Banca dell’Adriatico, gruppo Amici in Pescheria, gli sponsor tecnici Hotel Alexander Museum, Il Pesaro.it e Costantini.

* L’ingresso alle conferenze è gratuito / costo aperitivo € 6,00 / costo laboratori € 4,00 –
costo walkscape adulti € 4,00 bambini gratis – per info e prenotazioni attività Ittico 329.7236551 (Luana Colocci) o 349.8062441 (Antonella Micaletti)

Fondazione Pescheria – Centro Arti Visive, Corso XI Settembre 184 61121 Pesaro, tel 0721.387651/653

Centro Arti Visive Pescheria scrive:

Portable Nation
Ursula Biemann, Sama Alshaibi, Stefano Cagol
Josephine Starrs & Leon Cmielewski
A cura di Camilla Boemio

Sabato 11 Ottobre Fondazione Pescheria-Centro Arti Visive è lieta di annunciare la mostra che ripresenta il Padiglione delle Maldive alla 55.
Esposizione Internazionale d’Arte-La Biennale di Venezia.
Il Padiglione curato da CPS – Chamber of Public Secrets (composto da Alfredo Cramerotti, Aida Eltorie, Khaled Ramadan) e dai curatori associati Camilla Boemio e Maren Richter, è stato uno spazio eco-estetico, una piattaforma che ha visto attivisti ambientali, artisti e critici lavorare assieme.
Un Padiglione molto attivo, nel quale si sono seguiti, nell’arco dei sei mesi, numerosi eventi paralleli alla mostra principale, fornendo una significativa esperienza estetica e l’opportunità di discutere il concetto moderno di ‘romanticismo ambientale’ in relazione alla natura e alla cultura delle Maldive. In questo modo, il pubblico ha potuto applicare le proprie conoscenze ed esperienze quotidiane per la comprensione e l’apprezzamento di questo particolare caso ambientale.
La selezione di lavori presentata alla Fondazione Pescheria – Centro Arti Visive nel mese di Ottobre 2014, curata da Camilla Boemio e sviluppata in collaborazione con l’Arch. Claudio Orazi, vuole riproporre il Padiglione in un allestimento site-specific per la Chiesa del Suffragio con il contributo degli artisti: Ursula Biemann, Stefano Cagol, Josephine Starrs & Leon Cmielewski e Sama Alshaibi.

La mostra inaugura l’11 ottobre per la giornata del contemporaneo, in concomitanza con la mostra Arte Italiana Oggi curata da Ludovico Pratesi ed allestita nel Loggiato.

Nel corso della mostra sarà possibile visionare ed acquistare il libro Portable Nation pubblicato da Maretti editore e co-edit da Camilla Boemio – Alfredo Cramerotti – Aida Eltoire e Dorian Batycka, contenente le immagini delle opere esposte, i testi e gli approfondimenti del Padiglione delle Maldive alla 55. Biennale di Venezia.

Note biografiche

Ursula Biemann: Ursula Biemann (nata nel 1955 a Zurigo, Svizzera) è artista, scrittrice e autrice video. Il suo percorso artistico è fortemente improntato alla ricerca e comprende attività sul campo e documentazione video in zone remote. Biemann studia le relazioni globali che subiscono l’impatto dell’attuale accelerazione della mobilità di persone, risorse e informazioni, ed elabora questi materiali in video a più livelli mettendo in connessione un macro-ambito teorico e la micro-prospettiva di azioni concrete politiche e culturali. I video non sono né lineari né didattici ma costituiscono una riflessiva esplorazione dell’organizzazione planetaria e videografica. L’artista vanta mostre retrospettive al Bildmuseet di Umeå in Svezia, alla Nikolaj Contemporary Art di Copenaghen, alla Helmhaus di Zurigo, al Lentos Museum di Linz, e ai festival cinematografici FID di Marsiglia e TEK di Roma. Le sue opere hanno inoltre contribuito a mostre importanti, come all’Arnolfini di Bristol, alla Tapies Foundation di Barcellona, al Museo di Belle Arti di Berna, al LACE di Los Angeles, al San Francisco Art Institute, alla Kunsthalle Brandt di Odense, alla Kunstverein di Amburgo, alle Biennali di Guangzhou, Shanghai, Liverpool, Bamako, Istanbul e Siviglia, al festival Steirischer Herbst di Graz, ai Flaherty Film Seminars di New York e molte altre. A marzo del 2013, è stata allestita una sua personale al Neue Berliner Kunstverein (n.b.k.).Il Broad Art Museum della Michigan State University ha tributato un importante riconoscimento a Ursula Biemann, commissionandole nell’ambito del programma The Land Grant la realizzazione del suo nuovo lavoro “Forest Law”, presentato in anteprima nel mese di agosto 2014. Ursula Biemann ha ottenuto la laurea in belle arti alla School of Visual Arts (1986) e seguito studi post-universitari al Whitney Independent Study Program (ISP) di New York, città dove ha vissuto per la maggior parte degli anni ‘80. Attualmente lavora in qualità di ricercatore senior presso l’Università delle Belle Arti di Zurigo.Biemann ha ricevuto la laurea honoris causa in lettere e filosofia dall’università svedese di Umeå (2008) e nel 2009 il Prix Meret Oppenheim, il premio nazionale di arte della Svizzera.

Josephine Starrs & Leon Cmielewski: Sono artisti australiani la cui collaborazione di lunga data ha prodotto installazioni di media art che si collocano in un punto di congiunzione tra cinema, visualizzazione di informazioni e paesaggi sublimi. Il loro progetto Incompatible Elements, incentrato su paesaggi sconvolti a causa dei cambiamenti climatici, è stato esposto molte volte in Australia e all’estero, e più di recente nel Padiglione delle Maldive, come evento parallelo, alla Biennale di Venezia del 2013. Starrs & Cmielewski spesso utilizzano il gioco come strategia per attaccare le contraddizioni sociali e politiche insite nella vita contemporanea. La loro installazione Chapel of rubber (Cappella di gomma) è stata creata per il Cementa Arts Festival di Kandos, nel Midwest dello stato del Nuovo Galles del Sud, nel mese di febbraio 2013. È stata allestita nella vecchia cappella del convento come un altare dedicato alle gare di burnout delle automobili alla Street Machine, che ha luogo a Kandos ogni mese di gennaio nel fine settimana dell’Australia Day. Chapel of rubber è stata selezionata come finalista al Blake Prize 2013. Tra i loro progetti precedenti ci sono Seeker, vincitore di una menzione speciale ad Ars Electronica 2007 e sms_origins, consistente nello scambio di messaggi di testo di un cellulare, creato per essere rappresentato su grande schermo nella Federation Square di Melbourne nel 2009. Dream Kitchen è una animazione “stop-motion” interattiva, che è stata presentata al Transmediale di Berlino e all’European Media Arts Festival di Osnabrück, in Germania, e Trace, un’installazione di arte ibrida che utilizzava la tecnologia dei sensori e la performance per esplorare la biometria, presentata al Sydney Records Centre nel 2002. Bio-Tek Kitchen, un videogame modificato è stato esposto alla mostra Experimenta’s House of Tomorrow di Melbourne nel 2003 e alla Biennale dei Nuovi Media di Seul nel 2004. Leon Cmielewski è assistente senior presso la School of Humanities & Communication Arts, University of Western Sydney.

Sama Alshaibi: Il suo lavoro artistico multimediale ha per tema gli spazi di conflitto: le conseguenze della guerra/esilio e le dinamiche tra gli esseri umani in competizione per le risorse e l’energia. Tra le sue recenti personali va ricordata Vs. Him alla galleria Lawrie Shabibi di Dubai e Zero Sum Game alla Selma Feriani Gallery di Londra. Tra le mostre e le proiezioni si segnalano quelle all’Institut Du Monde Arabe (Parigi), al Bronx Museum (NYC), a Mapping Subjectivity presso il MoMA (NYC) e alla prossima Fotofest Biennale (Houston). Alshaibi è professore associato di fotografia/videoarte alla University of Arizona, Stati Uniti. Le performance, le fotografie e i video di Sama Alshaibi scandagliano le dinamiche e i conflitti tra gli spazi di guerra e di disagio. Allargatosi di recente alle opere multimediali, alle installazioni e alla scultura, il lavoro di Alshaibi in particolare mette a nudo i vincoli nascosti dell’agire umano, esplorando le tensioni tra occupazione ed esilio. La raccolta Vs. Him celebra l’uso del corpo da parte dell’artista come significante di una nazione, di fronte alle angosce individuali e collettive che sono insieme politiche, sociali, presentando inoltre se stessa come protagonista femminile. Le opere di Alshaibi esprimono non soltanto la testimonianza del suo patrimonio culturale iracheno, ma evidenziano una pacata riflessività nelle tensioni che l’autrice rappresenta.

Stefano Cagol: nato a Trento (1969) ha studiato all’Accademia di Brera a Milano e alla Ryerson University di Toronto. Nel 2009 ha presentato un progetto personale in contemporanea al ZKM di Karlsruhe, al Mart di Rovereto ea Kunstraum Innsbruck. Ha realizzato nel 2008 un ‘Solo’ parallel Event di Manifesta 7, nel 2006 un ‘Solo’ Satellite Event alla Singapore Biennale e un Off Project alla Berlin Biennale. Il suo progetto “The End of the Border (of the mind)”, commissionato dalla Barents Art Triennale all’estremo confine nord della Norvegia, prende l’avvio dalla diga del Vajont nell’anno del cinquantenario della tragedia e si svolge come un viaggio/spedizione nel 2013. Nel 2010 espone al SUPEC – Shanghai Urban Planning Exhibition Center di Shanghai in occasione del World Expo 2010. Nel 2013 partecipa alla 55. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia, con il progetto The Ice Monolith, parte del padiglione nazionale delle Maldive.

La mostra è realizzata grazie al sostegno di: Comune di Pesaro, Bertozzini costruzioni, Gamba manifatture 1918, Ifi-Arredi Bar Gelaterie Pasticcerie, Isopak Adriatica Spa, Banca dell’Adriatico, gruppo Amici in Pescheria, gli sponsor tecnici Hotel Alexander Museum, Il Pesaro.it e Costantini.

Patrocinio del Club UNESCO – Ancona

Supporters: CAF Nazionale del Lavoro Spa – CE.NA.S.P.S.p.A Centro Nazionale Servizi ai professionisti – Apollo Europe s.r.l.

Allestimento – Estro

Sponsor tecnici: 2K Soft

Info
Fondazione Pescheria-Centro Arti Visive
Corso XI Settembre, 184_Pesaro
inaugurazione _sabato 11 ottobre 2014 ore 18.30
durata mostra_12 ottobre-2 novembre 2014
orario_da martedì a venerdì 17.00-19.30
sabato, domenica e festivi 10.30-12.30/17.00-19.30
lunedì _ giorno di chiusura
ingresso gratuito
info_ 0721-387651/653
Facebook fan – Centro Arti Visive Pescheria Pesaro

Rosa Manauzzi scrive:

Premio Comel 2015 per l’arte contemporanea: iscrizioni aperte per la IV edizione
Bando per gli artisti dell’Unione Europea

Il premio Comel per l’arte contemporanea ‘Vanna Migliorin’ è giunto alla quarta edizione ed è annoverato tra i premi d’arte contemporanea più significativi del momento. Possono partecipare gli artisti maggiorenni dell’Unione europea, creando un’opera in alluminio o anche adottando tecniche miste che comprendano in prevalenza l’alluminio.
E’ un appuntamento che riscuote sempre più interesse da parte di critica, pubblico e importanti Istituzioni internazionali (si ricorda, tra gli altri il recente endorsement dell’Arts Council of England), una sfida stimolante che mette in gioco nuove sintesi di materiali e progetti.
Il bando 2015 è in rete all’indirizzo: http://www.premiocomel.it
Questa nuova edizione è dedicata al tema della leggerezza. “Leggero come alluminio” è il titolo del bando in cui si legge: “La leggerezza dell’alluminio e delle sue leghe ha permesso all’uomo, come è noto, di intraprendere sfide epocali che hanno segnato la storia dell’umanità, e che ancora caratterizzano la società contemporanea: dai grandi viaggi intercontinentali con aerei e navi alle imprese che hanno visto l’uomo proiettarsi verso lo spazio.
La leggerezza d’altra parte non è solo una proprietà fisica, ha mille altre declinazioni, riflesse nella sfera emozionale e psichica dell’uomo e altresì nel suo universo metaforico e creativo. La leggerezza dell’alluminio ispira altre leggerezze, dell’essere e del sentire, nell’immaginazione e nella realtà.”
C’è tempo fino al 31 dicembre 2014 per iscriversi. Una giuria qualificata, presieduta dal critico d’arte Giorgio Agnisola, stabilirà chi saranno i tredici artisti che potranno partecipare alla mostra tematica dal 21 marzo al 18 aprile 2015. Possono partecipare opere edite o inedite, realizzate con qualsiasi tecnica: pittura, scultura, design, video, fotografia ed installazione. Tra le tredici opere esposte verrà scelta la vincitrice, a cui è destinato un premio in denaro (si veda il bando per dettagli).
L’artista Pino Deodato è stato il vincitore assoluto della scorsa edizione.

Bellati Editore scrive:

Vestite d’armonia
gli abiti-scultura di Dania Zanotto by Bellati

Sede
GRANDE ALBERGO AUSONIA & HUNGARIA
Venezia Lido, Gran Viale S.M. Elisabetta, 28

Data
Giovedì 18 Settembre 2014, ore 17

Organizzazione e allestimento
Bellati Editore per DZ by Bellati

In collaborazione con

GRANDE ALBERGO AUSONIA & HUNGARIA
Venezia Lido, Gran Viale S.M. Elisabetta, 28

LANNA-GAIA
Wellness Intelligence
Venezia Lido, Via Doge Michiel, 17

Lord’
Venezia Lido, Gran Viale S. M. Elisabetta, 32 /C

MANNI ART GALLERY
Venezia Lido, Via A. Gallo, 97/A-B

INFORMAZIONI
Bellati Editore, info@bellatieditore.com, http://www.bellatieditore.com

Dania Zanotto è una persona dolcissima e i suoi lavori le somigliano. Nella propria fragilità ha trovato la forza di realizzare sculture imponenti e intrise di segreti millenari. Il terreno sul quale opera è quello della religiosità del creato. Poco importa dove gli uomini siano nati e come siano stati educati. Ciascuno di loro possiede con chiarezza le idee innate del bene e del male. Le vesti della scultrice-performer trevigiana sono imbibite della tenerezza che solo gli dei di qualunque epoca hanno dispensato ai loro figli. Si ammirano guardando in alto, questi lavori delicati e solenni, perché le preghiere volano verso l’infinito.

Dania Zanotto is the sweetest of persons and her work reflects just that. Perhaps its her vulnerability which has given her the strength to create awe-inspiring sculptures imbued with ancient secrets. Her work is centred around the religion of creation. Little rests on where a man was born or how he might be educated. Clearly each has his own innate ideas of good and evil. The sculptor/performer from Treviso’s robes are invested with an extraordinary tenderness which over the years only the Gods could have bestowed on their children. Enjoy them displayed up above, hugely delicate works with a solemnity, because prayers are taking off towards the infinite.

Biografia

Nata il 4/5/1975 a Treviso.
Diplomata in Pittura nel 1998 all’Accademia di Belle Arti di Venezia (diploma con lode), dove ha conseguito nel 2011 il Diploma di secondo livello in Arti Visive e Discipline dello Spettacolo-Scultura (diploma con lode con discussione della tesi: Trascendenza, Psychè, Sogno).
Docente di discipline pittoriche, vive e lavora a Brescia.

Galleria: Bellati Eventi
info@bellatieditore.com http://www.bellatieditore.com

ADSUM artecontemporanea scrive:

LA CROCE NOSTRA SPERANZA
In esposizione le opere di: Maria Bonaduce e Giovanni Morgese

Vernissage giovedì 11 settembre 2014 ore 20,00

Riflessone di P. Massimiliano Carucci

Presso
Salone S. Francesco – Santuario del SS. Crocifisso Via san Francesco d’Assisi, 196 – Rutigliano (BA)
visitabile dall’ 11 al 15 settembre nei seguenti orari: giorno 12 e 13 ore 9 – 12; giorno 14 ore 9 – 12 e 17 – 20; giorno 15 ore 9 – 12.

In occasione della festa liturgica dell’Esaltazione della Croce, la comunità francescana del Santuario del SS. Crocifisso di Rutigliano in collaborazione con ADSUM arte contemporanea di Terlizzi ospita , nel salone S. Francesco, la mostra :” CROCE SICURA SPERANZA” curata da P. Massimiliano Carucci rettore del santuario.
In esposizione le opere di scultura e pittura dell’artista Giovanni Morgese e una video proiezione di circa duecento opere ad acquerello e pastello dell’artista Maria Bonaduce. Queste ultime hanno illustrato dal 1999 al 2014 il noto Almanacco cappuccino a diffusione nazionale. Un variegato itinerario sul sacro con una particolare attenzione al tema del dolore e della speranza .
Così scrive P. Carucci: ”La croce segno della nostra speranza
C’è una luce che illumina costantemente il buio della nostra esistenza umana e questa luce si chiama speranza.
La Speranza è attesa e fiducia che si realizzi quanto il nostro cuore desidera e quanto ci è stato promesso. La nostra vita è una promessa: promessa di felicità, promessa di eternità, promessa di realizzazione massima dell’esistenza. Tutte queste promesse incontrano, nella loro realizzazione, innumerevoli ostacoli a tal punto che molto spesso ci fermiamo e dubitiamo di poter raggiungere la meta.
Qui si rende indispensabile la Speranza da non confondere con l’ottimismo o con il pensiero positivo. Per noi cristiani la speranza coincide con l’ardente attesa della piena rivelazione di Gesù, del Figlio di Dio. Tale rivelazione si è in parte compiuta anche se ne attendiamo la sua piena realizzazione: Cristo crocifisso è la rivelazione ultima di Dio.
Il messaggio della croce, inoltre, non si può separare dalla risurrezione. All’inizio del suo vangelo Giovanni afferma: “abbiamo visto la sua gloria”. Dove Giovanni ha visto questa gloria? Non può essere che sotto la croce. La gloria di Dio consiste nell’averla nascosta per amarci fino alla fine.
La croce svela il peccato, l’ingiustizia e la menzogna e rivela, contemporaneamente, il più grande amore, la giustizia e verità di Dio.
La nostra libertà è stata comprata a caro prezzo (cfr 1Cor 6,30) ed è una liberazione integrale che abbraccia l’uomo in ogni sua dimensione. La totalità della liberazione si realizza con la risurrezione, la quale porta l’uomo al suo vero compimento di se, giacché la sua meta è la libertà in Dio e la piena comunione con lui e con il prossimo. La risurrezione di Gesù manifesta che l’oppressione non sconfigge Dio, ma anzi Dio la trasforma in possibilità di libertà.
Chi risuscitò fu il crocifisso; chi libera è il Servo sofferente e oppresso. La risurrezione ha mostrato che vivere per la verità e la giustizia non è senza senso; che all’oppresso e all’eliminato è riservata la Vita che si manifestò in Gesù Cristo.
E’ proprio per questo che la liturgia del venerdì santo esprime questo carattere liberante e vittorioso della passione di Gesù con una solenne processione in cui la croce viene portata davanti alla comunità e da essa venerata: Guardate la croce su cui è stato appeso il Signore, la Salvezza del mondo. Venite, adoriamo!”

Per info: Santuario SS. Crocifisso Via san Francesco d’Assisi, 196 – Rutigliano
P. Massimiliano Carucci cell. 333 4487482

ADSUM artecontemporanea
http://www.retearte.it adsum.arte@libero.it Tel. 3476502478 –

Arte Communications scrive:

OPEN 17 – Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni

OPEN, Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni inaugura la sua diciassettesima edizione dal 28 agosto al 28 settembre 2014 parallelamente alla Mostra d’Arte Cinematografica.

Più di trenta artisti internazionali che si misureranno con interventi site specific presso le aree pubbliche di Venezia Lido e dell’Isola di San Servolo.

La mostra, ideata e curata da Paolo De Grandis, co-curata da Carlotta Scarpa è organizzata da PDG Arte Communications in collaborazione con la Municipalità di Lido Pellestrina ed è patrocinata dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Ministero degli Affari Esteri, Regione del Veneto, Provincia di Venezia.

In OPEN il binomio scultura-ambiente è un tema inesauribile e affascinante in virtù della forte matrice concettuale che si rinnova nell’intento di presentare i molteplici aspetti del discorso artistico. La necessaria controparte sono gli spazi urbani e le aree verdi di un territorio inteso nella complessità delle sue valenze antropologiche e culturali.

OPEN ha creato negli anni un genius loci forte delle innumerevoli presenze artistiche internazionali che hanno apportato culture e tradizioni diverse nell’isola ridefinendone il sostrato culturale. Si crea così ogni anno un ampio orizzonte di sperimentazione linguistica, le cui opzioni nel caso della scultura sono diventate sempre più sensibili alla scelta stessa dei materiali, sia che appartengano alla tradizione statuaria sia che siano riferibili alla produzione industriale fino alle installazioni suscettibili dei più sorprendenti processi di risemantizzazione.

Ad OPEN scultura, installazione e ambiente si misurano su un piano parallelo suscettibile alla visione personale dell’artista in un percorso ideativo e poetico capace di misurarsi con certi aspetti rituali e simbolici degli spazi pubblici. La ricerca di OPEN è pertanto scevra da modalità comunicative e linguistiche già date ed in qualche modo acquisite ma si sviluppa in fieri assumendosi il rischio dell’esito.

OPEN cerca allora di definire alcuni ambiti, alcuni contesti che arricchiscono questa fabbrica di arti declinati non solo nella forma canonica, ma anche in quelle zone di confine dove la creatività si confronta con la comunicazione, con i suoi meccanismi e con le sue finalità.

Tra le tante interpretazioni possibili c’è l’alternarsi continuo della sensibilità nell’immaginare l’arte contemporanea negli spazi pubblici, c’è il fil rouge delle collaborazioni tra artisti, curatori ed enti promotori complici in entusiasmanti sinergie artistiche. Si rinnova la collaborazione curatoriale con Chang Tsong-zung per la Cina, Ebadur Rahman per il Bangladesh e Yang Wen-i per la partecipazione Taiwanese. In particolare saranno presentati i giovani artisti provenienti dalla National Taiwan University of Arts parallelamente ad un progetto di didattica che si svolgerà con un workshop rivolto a bambini di età compresa tra i 4 e i 10 anni. Un’occasione di scambio tra bambini Taiwanesi e Veneziani per imparare e sperimentare le tecniche calligrafiche.

Racconterà della grande sfida di OPEN e del suo ideatore Paolo De Grandis il documentario curato e prodotto da Marco Agostinelli che sarà presentato in anteprima nel corso del finissage.

Nel corso dell’esposizione sarà indetta la quinta edizione del Premio Speciale Arte Laguna che sarà assegnato ad un giovane artista selezionato dalla giuria del Premio Arte Laguna. Tale premio offrirà al vincitore la possibilità di figurare tra i finalisti del Premio Arte Laguna 2015 ed esporre nell’ambito del circuito organizzato dalla stessa associazione.

OPEN rinnova l’osmosi fra differenti mondi culturali, si crea da sé all’aria aperta attraverso movimenti spontanei ed interattivi.

ARTISTI PARTECIPANTI
Austria – Gerhard Krammer
Bangladesh – Avi Shankar Ain
Germania – Irene Anton, Iris Brosch, Federico Schiaffino
Gran Bretagna – Mark Aspinall, Tim Ellis
Italia – Marco Agostinelli, CaCO3, Roberto Cambi, Luciano Chinese, Eracle Dartizio, Duilio Forte, Flavio Marzadro, Miresi, Fabio Ranzolin, Maria Teresa Sabatiello, Wolfgang Zingerle
Norvegia – Andrew Barton
Paesi Bassi – Erik Wijntjes
Perù – Ana Maria Reque
Russia – Sasha Frolova
Spagna – Manuel Marti Moreno, David Sánchez León
Ucraina – Victor Sydorenko
National Taiwan University of Arts – CHEN Ting-Chang, CHIU Fang-Yi, KOU Che-Yin, LAI Mei-Ju, LIN Yu-Chen, LU Ching-Chen, Tanes Naipanich

Celeste Network scrive:

Celeste Prize 2014, VI edizione
La deadline per aderire al Celeste Prize è stata posticipata al 30 luglio 2014; il premio internazionale di arte contemporanea che ogni anno accoglie artisti provenienti da tutto il mondo senza limiti di età o professione.
Maggiori info sul Prize:
http://www.premioceleste.it/celesteprize-it-2014/

In palio 20.500 euro di premi in denaro suddivisi nelle varie sezioni:
Premio Progetto 4.000 euro
Pittura & Disegno 4.000 euro
Fotografia & Grafica Digitale 4.000 euro
Video & Animazione 4.000 euro
Installazione, Scultura & Performance 4.000 euro
Premio del Pubblico 500 euro

La chief-curator del Celeste Prize 2014 è Elena Sorokina, curatrice indipendente che ha recentemente organizzato progetti espositivi per la Biennale di Mosca e per lo Stedelijk Museum, oltre ad aver pubblicato numerosi cataloghi e scritto articoli per riviste come Artforum, Flash Art ed il Manifesta Journal.

Luca Curci scrive:

My Cities, Your Identities
International video-art and photography festival
July 18-24, 2014

International ArtExpo, in collaboration with BigCi – Bilpin international ground for Creative initiatives, is proud to announce the opening of My Cities, Your Identities, international art festival of photography and video art, which will be held at BigCi – Bilpin international ground for Creative initiatives artist residency on the edge of Wollemi National Park, Australia, from the 18th to the 24th of July 2014.

The opening party of the event will be on July 19, 2014 at BigCi, starting from 2 PM to 4 PM (free entry).

organizer: International ArtExpo
curator: Luca Curci
press office: It’s LIQUID
venue: BigCi – Bilpin international ground for Creative initiatives, Bilpin, NSW, Australia.
RSVP for address to sculptor@raebolotin.com
opening: July 18, 2014 from 11.00 AM; opening party Saturday, July 19, 2014 from 2 PM to 4 PM
dates: from the 18 to the 24 of July 2014; from 11 AM to 4 PM, free entry

Among all the selected artists for the exhibition, has been selected the winner of an art residency stay in BigCi, from the 14th to the 27th of July 2014: Shaun Wilson. Congratulations!

My Cities, Your Identities explores the parallel relationship between cities’ transformations and identities’ evolution: modern metropolis are often the result of the compound of different cities and cultures, as it is for contemporary identities. During this borderless time we have the possibility to live and experience a constant hybridization among cities, bodies, societies, cultures and new technologies, which shapes and regenerates our individualities. Our whole being evolves as well as contemporary cultures and modern cities do.
The exhibition is curated by Arch. Luca Curci (Founder of LUCA CURCI ARCHITECTS and It’s LIQUID Group).

BigCi (www.bigci.org) is an independent, artist run, not for profit micro artist residency program with a focus on supporting serious artists by facilitating their projects. BigCi provides a ground for the professional development of artists from various fields, such as the Visual Arts, Performing Arts, Literature, Music, Photography, Film, and Hybrid Arts. Painters, sculptors, multimedia artists, performance artists, writers, musicians, filmmakers and other creative souls are invited to apply for the residency. In addition to the artist residency program, BigCi is available for a variety of events, performances, workshops, installations and exhibitions.

.video art
Gabriella Parisi . Italy | Mario F. Londoño Muñoz . Argentina | Nia Maria Moilanen & Chad Cogdill . Finland | Gregory Steel . USA | Lucia Flego . Italy | Debbie Davies . USA | Laurence Gartel . USA | Peter Trukenbrod & Barbara Ekström . Sweden | Pilar G. Calero . Spain | Christine Istad . Norway | Fred L’Epee . Switzerland| Candaş Şişman . Turkey | Kate MacDonald . Canada | Toni Simò . Spain | Shaun Wilson . Australia | Susan Yeung & Russell Morton . Singapore
.photography
Tatjana Leuzzi . Germany | Tobias D. Oggenfuss . USA | Malgorzata Basinska . Norway | Ivana Russo . Italy

International ArtExpo is an art organization that provides a significant forum for cultural dialogue between all artists from different cultures and countries. ArtExpo is grateful to all of the institutions, corporations, and individuals who support our artistic projects. We work with a number of national and international galleries as well as publishers, museums, curators and critics from all over the world. We help artists through solo and group exhibitions, gallery representation, magazine reviews and advertisements, press releases, internet promotion, as well as various curatorial projects.

International ArtExpo
Corso Vittorio Emanuele II, 33
70122 Bari (Italy)
+39.0805234018
+39.3387574098
lucacurci@lucacurci.com
http://www.lucacurci.com/artexpo

ADSUM artecontemporanea scrive:

SPARSA ANIMAE FRAGMENTA RECOLLIGAM
(Raccoglierò i frammenti sparsi dell’anima)

opere di MARIA BONADUCE

Patrocinio del Comune di Terlizzi

Vernissage domenica 20 luglio 2014 ore 20,00

Interverranno il Dott. Ninni Gemmato sindaco di Terlizzi e il dott. Vito Bernardi

Presso
ADSUM artecontemporanea
v. Marconi 5 (Palazzo della Meridiana) Terlizzi (BA)

visitabile dal 20 luglio al 11 ottobre 2014

orario:
dal lunedì al sabato dalle ore 10.00-12.30 19.00- 20.30 chiusura giovedì pomeriggio e festivi
http://www.retearte.it – adsum.arte@libero.it Tel. 3476502478
Questa mostra raccoglie il lavoro di ricerca degli ultimi cinque anni dell’artista. Il titolo:” Sparsa animae fragmenta recolligam” in evidente riferimento al Petrarca, indica una tappa inevitabile nel metaforico viaggio della nostra vita: il momento in cui, in conseguenza di un avvenimento traumatico, il nostro antico mondo va in pezzi e siamo chiamati a raccogliere i frammenti di ciò che resta come il frettoloso viandante che porta con sé solo l’essenziale, per proseguire il cammino con un fardello più lieve. La ricerca ha inizio tra lo smarrimento che frantuma anche i ricordi e il bisogno di un lento e paziente recupero delle macerie, una ricostruzione attraverso i “frammenti sparsi dell’anima” per ricomporre in modo nuovo, con un processo di sintesi , i luoghi della mente. Nuovi “Paesaggi” senza alcun riferimento a luoghi vissuti benché strutturalmente simili. Sono pensieri, sensazioni, a volte solo intuizioni. Il mezzo è sempre lo stesso: acqua pura e pigmento: l’essenziale.
Maria Bonaduce nasce a Terlizzi (Ba) nel 1955 dove lavora dal 1973, anno in cui ha terminato gli studi artistici. Da allora ha esposto in varie mostre, in Italia (Roma, Milano, Torino, Matera, Napoli, Messina, Verona, Venezia, Sondrio, Como, Piacenza, Cremona, Pisa, Bari, Siena, Reggio Emilia, Bolzano, Massa) e all’estero (Canada, Messico, Ungheria, Francia, Stati Uniti, Emirati Arabi, Bulgaria, Israele, Romania, Inghilterra). Predilige la tecnica dell’acquerello ricevendo importanti consensi internazionali. Notevole ritrattista e paesaggista, da diversi anni si dedica all’Arte Sacra con dipinti e vetrate istoriate.
Ha realizzato numerose opere pubbliche a Cascia (PR); Bari; Scutari (ALBANIA); Capurso; Bitetto (BA); Depressa (LE); Gubbio (PR); Ostuni (BR); Terlizzi (BA); Ruvo Di Puglia; Molfetta (BA); Tricase (LE). Dal 2000 al 2014 autrice delle pergamene del prestigioso: “Riconoscimento internazionale S. Rita da Cascia”. E’ tra i fondatori nel 2007 di ADSUM artecontemporanea.
Opere dell’artista sono esposte in permanenza presso i Musei Diocesani di Jesi (An) e Molfetta; nelle Civiche gallerie di Tolentino, Cupra Montana e Bitonto (Ba).

ADSUM artecontemporanea
Ufficio stampa : Nicolò Marino Ceci – marketing: Francesco Parisi
Progetto grafico: Patrizia Ricco
sito internet: Giuseppe Marella – foto: Salvatore Simonetti

Flavio scrive:

“Fragments, signs, words. Art for waste. Rolling dustbins at the Metamuseum.”

From Calvino’s invisible cities to the thousand ideas that can be experienced at a visible Metamuseum. Till the end of July, the Travelling Metamuseum of Emilia-Romagna, housed in the prestigious Palazzo Albertini in the main square of Forlì, will continue to offer extraordinary events to play with creativity though a rich series of manual workshops, guided tours, and artistic performances.

The July programme will start with the presentation of the children’s book Bip Calamita ed altre star da favola (edited by Homeless Book), followed by the exhibition “Seeing and observing” by the Catalan artist Anton Roca. On Tuesday and Saturday afternoon, the Metamuseum will offer manual workshops for children and their parents (admission by donation), including Natural and naturalized, materials and landscape (by La Còcla environmental education centre), and Dragon-Butterfly. Flights of multicoloured butterflies and dark nocturnal birds (by Fantariciclando association). On Saturday afternoon, the Metamuseum will give you the opportunity to take part in a free guided tour in French (by Marie-Line Zucchiatti, professor), Greek (by Angeliki Drossaki, artist), and German (by Walburga Mueller, art maker). All activities are free but booking is required (metamuseogirovago@gmail.com). On Wednesday night, the programme includes special artistic performances, such as “Rolling dustbins”, an hip-hop performance by Black out together with Eddy & Artur, “Unusual records: Habana 57” by the Dj Tito Valdez, and “Sounds that do not turn into words” by the Argentine anthropologist Ruben Andrès Costanzo.

The Metamuseum will be open in June and July, from Tuesday to Saturday from 4 pm to 7 pm. Free admission. The project is carried out by the Fantariciclando association together with other partners, with the support of the Emilia-Romagna region – 2011/2013 Environmental Action Plan for a sustainable future, and the backing of the Municipality of Forlì.

Luca Curci scrive:

Pixels of Identities – Istanbul
International video-art, photography, installation and performing art festival
Opening: July 01, 2014

International ArtExpo, in collaboration with MIXER, is proud to announce the opening of Pixels of Identities – Istanbul, international art festival of photography, video art, installation and performing art, which will be held at MIXER gallery in Istanbul, from the 1st to the 10th of July 2014.

The opening of the event will be on July 01, 2014 at MIXER gallery, starting from 07.00 PM (free entry).

organizer: International ArtExpo
curator: Luca Curci
press office: It’s LIQUID

venue: MIXER, Boğazkesen Cad. No:45 Bodrum Kat, Tophane/İstanbul, Turkey
opening: July 01, 2014 starting from 07.00 PM
dates: from the 01 to the 10 of July 2014, from 11.00 AM to 07.00 PM, free entry

Pixels of Identities explores all the different facets of social, physical and cultural identities of our contemporary societies. Everyday we deal with a multitude of different identities and roles: we face the public life creating and adapting our social identities; our body and aesthetic tastes modify and are modified by our physical and sexual identities; our whole being evolves as well as contemporary cultures and modern cities do. Differences create new compounds and exchange possibilities.

The exhibition is curated by Arch. Luca Curci (Founder of LUCA CURCI ARCHITECTS and It’s LIQUID Group).

MIXER is an art platform that brings a different interpretation to the idea of modern art space, whilst discovering emerging artists and making unique artworks accessible to all. Mixer especially aims to target independent artists, those passionate about art and any bourgeoning collectors looking to start up a collection of their own.

.video art
C. Ryder Cooley & Bart Woodstrup . USA | Allison Kotzig . USA | Mar Garrido . Spain | Maggie Van Der Toorn . Italy | Blanca Giménez . Spain | Nina Athanasiou . Germany | Toni Simò . Spain | Jesús Segura . Spain | Kate MacDonald . Canada | Mario F. Londoño . Argentina | George Rosolymos & Maria Papadaki . Greece | Celia Wickham . UK | Eva Marathaki . Greece | Jean-René Leblanc . Canada | Kübra Isikli . Turkey | Zach Zecha . USA | Meng-Chin Huang . Taiwan | Giacomo Cardoni . Italy | Laurence Gartel . USA | Collective Another Thought . The Netherlands | Filippo Martelli . Italy | Ester Eva Damen & Suzan Tunca . Holland | Alessio de Girolamo . Italy | Miklos Veszpremi . UK | Santiago Escobar-Jaramillo . Colombia | Shaun Wilson . Australia | Larissa Araz . Turkey
.photography
Ali Berrada . Morocco | Sofia Venturini del Greco . Italy | Elodie Abergel . France | Maryam Rezaei . USA | Malgorzata Basinska . Norway | Maher Kouraytem . Lebanon | Gizem Karayavuz . Turkey | Julia Moral . Spain | Fabien Jakob . Switzerland | Neslihan Koyuncu . Turkey | Nancy Oliveri . USA | Enrico Prenna . Italy | Walter Brovia . Argentina | Ante Kustre . Croatia | Larissa Araz . Turkey
.performing art
Marizelda S. Eggertsson . USA | AslieMK . Turkey | Hilan Bensusan & Aharon . UK | Carla Paiolo . Italy

Visitors information: invite your friends and art lovers to the show. PIXELS EXHIBITION IS FREE ENTRY.

International ArtExpo
Corso Vittorio Emanuele II, 33
70122 Bari (Italy)
+39.0805234018
+39.3387574098
lucacurci@lucacurci.com
http://www.lucacurci.com/artexpo
press office
It’s LIQUID Group

Anna Orsi - PressArt scrive:

8-26 luglio 2014
Continuando il percorso di grandi rassegne e mostre monografiche Butterfly Institute Fine Art presenta una mostra che è l’una e l’altra: Giovanni Fattori & Friends, curata da Tiziano Panconi, premio Foedus alla carriera 2013, notissimo in ambito internazionale e considerato tra i più autorevoli esperti e critici della pittura italiana dell’Ottocento.
Dal 8 al 26 luglio 2014, difatti, la galleria luganese espone dieci importanti opere di Giovanni Fattori che possono essere considerate a tutti gli effetti una monografica d’eccellenza, cui fanno da corona altre opere di artisti toscani dell’epoca, quali i Macchiaioli Telemaco Signorini, Vincenzo Cabianca e Ludovico Tommasi, poi Ruggero Panerai e Luigi Bechi, che in aperto dialogo con le opere del maestro livornese diventano una rassegna tematica di uno dei massimi capitoli della pittura italiana dell’Ottocento: La Macchia.
In mostra anche opere di Mario Puccini – allievo di Fattori all’Accademia, del postmacchiaiolo Oscar Ghiglia e di Giovanni Boldini.
In prima battuta la mostra indaga l’opera di del padre dei Macchiaioli il quale, nonostante temi e soggetti diversi, è rimasto sempre fedele alle sue più intime inclinazioni e alla remota formazione mentale, nondimeno andando oltre la macchia per abbracciare il respiro più ampio del Naturalismo europeo. In seconda istanza, inserire il corpus monografico in una visione più ampia da vita ad un percorso destinato ad soddisfare l’interesse del mondo collezionistico internazionale.
Interesse sicuramente accresciuto anche dall’ulteriore duplice valenza di questa mostra che coniuga il rigore e la documentazione storico-critica di una mostra culturale – della quale offre anche la godibilità – con il mercato, dando forma a un evento di assoluta rilevanza, perché mai negli ultimi cinquant’anni un nucleo così cospicuo e importante di opere di Fattori è stato posto in vendita in un’unica occasione.
Ne risulta una mostra dalla formula innovativa, unione delle diverse competenze di Butterfly Institute Fine Art, che vanno dai servizi di consulenza e advisoring alla compravendita di opere di grandi maestri, dall’esposizione permanete dei medesimi, all’organizzazione di mostre ed eventi di rilevanza internazionale, anche per conto di Istituzioni e Musei pubblici e privati.
Immagine simbolo della mostra è Pattuglia di cavalleria, un olio su tela da annoverare tra i capisaldi del suo catalogo pittorico, datato a cavallo tra gli anni ’80 e ’90.
E’ una tela di piccole dimensioni in cui la profondità prospettica suggerita dallo sterrato e dall’esercito che s’allontana è messa in risalto dalle due possenti figure dei militari in primo piano a definire un cono visuale che porta all’orizzonte e restituisce il senso della vastità degli spazi maremmani.
All’interno di questa natura l’esercito assume il significato simbolico della supremazia dell’uomo sulla natura ma, in contrasto, evidenzia come questi soldati siano parte integrante della natura.
Nel catalogo pittorico di Fattori il tema militare occupa una parte importante, al suo interno il soggetto rappresentato in uno degli altri dipinti esposti, L’incontro, è con certezza uno dei più frequenti.
Come in tutte le tele realizzate negli anni della maturità, Fattori rende attraverso una forte caratterizzazione l’onere d’esser soldato che in quest’opera evidenzia nell’incontro tra i due militi in diversa divisa, dietro ai quali si apre la vastità di una terra aspra e dura.
Come nelle opere coeve si percepisce una visione della vita nostalgica, sopraffatta da un sentimento di inquietudine mosso da una realtà diversa da quella immaginata negli anni giovanili dei fervori patriottici, ma anche disillusa dallo scorrere del quotidiano e dalla coscienza delle tristi condizioni dei diseredati siano essi uomini o animali come in Cavallo morto o Mandriana…
Una rassegna, dunque, che a buon titolo s’inserisce come un evento importante nell’articolato e ricco programma espositivo della città di Lugano dove il Maestro della Macchia ritorna a molti anni dall’ultima presenza al Museo Cantonale d’Arte, per altro allora dedicata alla sua opera d’incisore.