Mostra personale di
EROS GUGLIELMO

Direttori d’orchestra
a cura di Jacqueline Ceresoli

Inaugurazione giovedì 9 aprile 2026 ore 18.30
fino al 23 maggio

In mostra una ventina di dipinti dedicati a diversi direttori d’orchestra di fama internazionale, immortalati dall’artista Eros Guglielmo, nell’istante della direzione, travolti dall’impeto della musica in un sorta di trance sinestetico, in cui il gesto visualizza la composizione musicale e il ritmo di spartiti immaginati, come presupposto formale per indagare il movimento, il dinamismo, l’accordo tra segno, traccia cromatica e trasfigurazione dell’opera realista in chiave neoespressionista. Le sue pennellate irrequiete mirano all’essenza del soggetto, rappresentano il linguaggio dell’esserci “qui e adesso” nell’istante del concerto, dove l’emozione “dipinge” preludi esistenziali, trame in cui i suoi direttori si fondono idealmente con il ritmo ancestrale dell’universo…

CONEXIO – Mostra di Ceramica Raku di MARIA GRAZIA GIUSTIZIERI
A cura di Luciano Bolzoni

27 novembre – 7 ottobre

Inaugurazione: 27 novembre, dalle ore 18,30

Nelle ceramiche raku di Mariagrazia Giustizieri la materia diventa un territorio sensibile, un luogo di trasformazione in cui le forze naturali — fuoco, aria, acqua — incidono la superficie come gesti di una scrittura primordiale. Le opere si offrono come frammenti di un ecosistema sconosciuto, sospesi tra organicità e geometria, tra gesto umano e processualità spontanea. Le crepe, le fumigazioni, le iridescenze non sono semplici effetti tecnici: sono tracce di un dialogo radicale tra l’artista e la materia, testimonianze di un patto aperto all’imprevisto.

Questa attitudine all’ascolto profondo non riguarda soltanto il suo fare artistico. Giustizieri è infatti anche floriterapista, e porta con sé un’attenzione particolare alle forme sottili dell’energia, ai processi di armonizzazione, alla relazione fra fragilità e rigenerazione. La stessa sensibilità si ritrova nei suoi lavori: il raku diventa un terreno in cui osservare e accompagnare la metamorfosi, come accade nei percorsi di cura attraverso i fiori. Non si tratta di un’aggiunta tematica, ma di una risonanza. Le ceramiche sembrano vibrare di questa conoscenza silenziosa, di questa capacità di percepire ciò che non è immediatamente visibile.

L’artista lavora con il raku come chi ascolta più che come chi domina. Accetta il rischio dell’esito, l’evento inatteso, la trasformazione repentina. In questo, la sua ricerca si avvicina a una forma di meditazione attiva: un’attenzione al momento in cui il calore satura l’argilla e la costringe a cambiare identità. La superficie diventa così un campo di forze, dove il segno controllato convive con l’esplosione cromatica, e la struttura si intreccia a una spontaneità luminosa.

Nelle sue forme circolari, nei moduli cellulari, nelle linee che evocano alberi, radici, membrane, si riconosce una tensione costante tra il microcosmo e il macrocosmo. I piatti si trasformano in mappe, gli assemblaggi in costellazioni viventi. Ogni opera conserva la memoria del proprio farsi: la tensione del fuoco, il respiro della terra, il brivido dell’improvviso raffreddamento. La tecnica, qui, non illustra ma rivela; non rappresenta, ma lascia emergere.

La ceramica raku, nella visione di Giustizieri, diventa un dispositivo di conoscenza e di cura. Non un mezzo per riprodurre forme, ma un modo per interrogare la materia e accogliere le sue risposte. Le superfici incrinate restituiscono un tempo geologico e insieme emotivo, in cui ogni dettaglio è il risultato di un equilibrio fragile, irripetibile.

L’opera si presenta così non come oggetto chiuso, ma come soglia: un luogo in cui ciascuno può riconoscere un proprio paesaggio interiore. Una fessura, un bagliore, una sfumatura di blu bastano a suggerire una narrazione che si completa nello sguardo. E in questo incontro — tra materia, energia e mutazione — le ceramiche di Mariagrazia Giustizieri trovano la loro natura più profonda: presenze delicate e potenti, capaci di restituire alla trasformazione il suo significato più luminoso.

Orari di apertura:
Lunedì – venerdì: 10:00–13:00 / 16:00–19:00
Sabato e domenica: su appuntamento

Contatti
Art Marginem: 329 2061102 – [artmarginem@hotmail.com]
Artista: 340 0676341 – [g85671368@gmail.com]

PUBBLICAZIONE: OCCHI SULLA CITTA’ – Napoli a sorpresa ROGIOSI Editore
Isbn 9788869505980

Conferenza stampa: 6 Novembre 2025 ore 11 presso Sala Conferenze del Museo della Moda
Per accreditamenti: Raimondo del Tufo ph. 08118336574 raimondodeltufo@art1307.com

VERNISSAGE: 8 Novembre 2025 ore 11

Presentazione libro “Occhi sulla Città” edito da Rogiosi Editore: 6 Novembre 2025 ore 11 – Sala Conferenze Museo della Moda alla presenza degli artisti e degli autori dei testi.

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Parafrasando il titolo del film di Francesco Rosi, “Le mani sulla città” (senza alcuna connessione socio-politica con esso), ART1307 — istituzione culturale con sedi a Napoli e Los Angeles — ha invitato nella sua Residenza d’Artista, per un lavoro triennale, undici fotografi internazionali provenienti da diversi Paesi, offrendo loro un confronto sincero e non stereotipato con Napoli. Un viaggio iconico e controcorrente: lo sguardo dello straniero — non coinvolto emotivamente da legami di familiarità con il luogo — può offrire una visione inedita e forse più autentica del suo “locus”. Diverse modalità comunicative e linguistiche inducono a prendere consapevolezza di uno scenario di appartenenza tanto personale quanto collettivo; il progetto utilizza le lenti degli obiettivi come dispositivi di amplificazione dei dettagli, mettendo a nudo difetti e virtù della città e sprigionando il potenziale espressivo della quotidianità, che si trasforma in traccia di espressione universale.
Attraverso gli scatti di Yuri Boyko (Ucraina/USA), Lawrence Fodor (USA), Robert Herman (USA), Linda Kunik (USA), Luigia Martelloni (Italia/USA), Hertha Miessner (Germania), Viviana Rasulo (Italia), Osceola Refetoff (Canada/USA), Claudio Santini (Italia/USA), Pilar Soberón (Spagna) e Jane Szabó (USA), “Occhi sulla Città” dipana la storia contemporanea di Napoli: una riscrittura di un luogo capace di ammaliare o respingere, avviluppare e talvolta soffocare. L’iniziativa, curata da Cynthia Penna, mira a liberare la città dai suoi stereotipi — pericolosità e bellezza, fascino del paesaggio e lato oscuro di violenza — che l’hanno “ingessata” in una cornice di statica persistenza.
Paraphrasing the title of Francesco Rosi’s film Le mani sulla città (without any socio-political connection to it), ART1307 — a cultural institution with venues in Naples and Los Angeles — invited eleven international photographers from different countries to its Artist-in-Residence program for a three-year project, offering them an honest and non-stereotypical dialogue with Naples. An iconic, countercurrent journey: the gaze of the outsider — emotionally unbound by familiar ties to the place — can provide a fresh and perhaps more authentic view of its locus. Various modes of communication and language invite an awareness of a sense of belonging that is both personal and collective; the project uses the lens as a device to amplify details, exposing the city’s flaws and virtues and unleashing the expressive potential of daily life, which becomes a trace of universal expression.
Through the photographs of Yuri Boyko (Ukraine/USA), Lawrence Fodor (USA), Robert Herman (USA), Linda Kunik (USA), Luigia Martelloni (Italy/USA), Hertha Miessner (Germany), Viviana Rasulo (Italy), Osceola Refetoff (Canada/USA), Claudio Santini (Italy/USA), Pilar Soberón (Spain) and Jane Szabo (USA), Eyes on the City unravels the contemporary story of Naples: a reimagining of a place capable of captivating or repelling, entangling and sometimes choking. Curated by Cynthia Penna, the initiative aims to liberate the city from its stereotypes — danger and beauty, landscape charm, and the darker side of violence — which had “frozen” it in a frame of static persistence.

Testo
ARTGALLERY MCL presenta la mostra virtuale
“LANDSCAPES – 15 MULTIPLES FOR 15 ARTISTS”
Un’esperienza artistica unica che esplora il paesaggio attraverso gli occhi di 15 artisti di varie generazioni attraverso opere multiple facenti parte della collezione privata della galleria.
La galleria virtuale ARTGALLERY MCL è lieta di annunciare il lancio della sua nuova mostra collettiva intitolata “LANDSCAPES – 15 MULTIPLES FOR 15 ARTISTS”. Questa esposizione sarà visibile esclusivamente online dal 2 maggio al 29 giugno 2025, aperta ai visitatori 24 ore su 24, offrendo un’opportunità imperdibile per esplorare l’arte contemporanea comodamente da casa.
Esplorazione del Paesaggio: Un Tema Universale
La mostra “LANDSCAPES” invita gli spettatori a un viaggio visivo attraverso la rappresentazione del paesaggio, sia esso naturale o urbano. Le opere selezionate interpretano il tema con una varietà di stili e tecniche, creando opere che riflettono la complessità e la bellezza dei paesaggi che ci circondano. La mostra offre una prospettiva ampia e diversificata, catturando l’essenza e la trasformazione degli ambienti in cui viviamo.
Questa esposizione presenta una serie di opere multiple, ognuna delle quali rappresenta una tecnica unica. Gli spettatori potranno ammirare una selezione di litografie, serigrafie, incisioni e opere in tecnica mista. Ogni opera è un’espressione del talento e della visione artistica degli autori, offrendo un caleidoscopio di interpretazioni del tema centrale.
Gli Artisti in Esposizione
La mostra riunisce 15 artisti di diverse generazioni, ciascuno con una prospettiva unica e uno stile distintivo. Da collezione privata , opere degli artisti partecipanti:
• Luca Alinari• Renzo Biasion• Remo Brindisi• Giovanni Cappelli• Francesco Casorati• Andrea Chiesi• Bruno Donzelli
• Gian Paolo Dulbecco• Luca Giovagnoli• Luigi Mainolfi• Plumcake• Giorgio Ramella• Salvo Mangione•
Tino Stefanoni• Orfeo Tamburi
Dettagli della Mostra Virtuale
La mostra “LANDSCAPES – 15 MULTIPLES FOR 15 ARTISTS” sarà accessibile tramite il sito web della galleria all’indirizzo https://artgallery-mcl.jimdosite.com dal 2 maggio al 29 giugno 2025. Gli appassionati d’arte di tutto il mondo possono visitare la mostra in qualsiasi momento, vivendo un’esperienza immersiva e interattiva. Per ulteriori informazioni, contattare via e-mail all’indirizzo artgallerymcl@gmail.com.
Non perdete l’occasione di esplorare i paesaggi attraverso gli occhi di 15 artisti visionari. Vi aspettiamo online per scoprire questa straordinaria collezione

Sede: Casina dei Mosaici nel Parco a mare di Villa Favorita – Ercolano Via. G. D’Annunzio 36
Durata: 10 Maggio/ 25 Maggio 2025
Vernissage: 10 Maggio 2025 dalle 11 alle 17
Ufficio Stampa: ART 1307

Dopo l’entusiasmante tappa vissuta a Los Angeles, la mostra “The Marks of Our Time” approda in Italia, trovando nella Casina dei Mosaici di Villa Favorita di Ercolano un palcoscenico ideale.
Gli artisti Italiani ospiteranno dal 10 Maggio gli artisti Californiani per dare vita ad un dialogo visivo e concettuale attraverso linguaggi eterogenei – pittura, scultura e fotografia– trasformando le loro opere in testimonianze di identità, connessioni e cambiamenti. Ogni creazione racconta un’esperienza personale e collettiva, aprendo uno spazio di riflessione sulle tracce che l’essere umano lascia sul suo percorso e nel suo passaggio attraverso la Storia.
Curata da Cynthia Penna, la mostra indaga le nozioni di Tempo e di eredità morale e culturale che vengono lasciate alle future generazioni da ogni cultura contemporanea; ogni presenza umana segna un passaggio, crea un’impronta che lascia dietro di sé e questo percorso forma la Storia dell’umanità che si dipana anche attraverso piccole storie individuali che contribuiscono a formare la Grande Storia collettiva. Lasciamo delle impronte dietro di noi che altri sono destinati volenti o nolenti a raccogliere e ripercorrere, rielaborare e rivedere.
Il programma sarà arricchito da talk e incontri con la partecipazione degli artisti, che offriranno al pubblico un’occasione unica per approfondire i temi della memoria, dell’identità e dell’eredità culturale.
La Casina dei Mosaici, con la sua bellezza storica e la vicinanza al mare, diventa così non solo una cornice espositiva, ma un luogo di riflessione sul tempo e sulle sue dinamiche. Un invito a vivere l’arte come esperienza capace di risvegliare una consapevolezza più profonda del nostro presente.
La mostra di Los Angeles si e’ tenuta con il patrocinio del locale Istituto Italiano di Cultura mentre quella di Ercolano ha ricevuto il patrocinio del MIC, dell’Ente Fondazione Ville Vesuviane e del Comune di Ercolano.
E’ stato richiesto l’inserimento della mostra tra gli eventi del Maggio dei Monumenti 2025.

Info: ART1307 Istit. Culturale
Ph: 081-18336574

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BIOGRAFIA
Federica Rossi nasce nel 1972 a Parma dove vive e lavora. Si diploma al Liceo d’Arte di Parma e successivamente frequenta l’Accademia di Comunicazione di Milano. Una forte spinta creativa la porta a sperimentare i vari mezzi espressivi che riversa, in un primo momento, nella visual communication, collaborando per alcuni anni come Art director presso agenzie pubblicitarie. Da qui la scelta di dedicarsi all’arte in modo totale. Nel 2004 le sue prime personali e nel 2007 sceglie di promuovere la sua arte soprattutto a livello internazionale. Un’ intensa attività espositiva la vede protagonista in mostre personali a Londra, Miami, Ankara, Copenaghen,Bruxelles, Vienna, Stoccarda presso Istituti Italiani di Cultura, Musei e Gallerie con le quali collabora fino ad oggi.
In collettive espone in Svezia, Miami, New Jersey, Texas, Chicago, Boston, Dubai. Solo negli ultimi anni inizia ad esporre maggiormente in Italia, nel 2016 la sua città gli dedica una personale di rilevo “Tra Madre e Terra” a cura del prof. Philipe Daverio. Tra le personali in Italia nel 2017 la mostra The Living Cell al Museo della Città di Rimini. Attualmente le sue opere trovano spazio in collezioni pubbliche e private, da segnalare la presenza nell’archivio della Biennale del Disegno di Rimini. Nel 2019 inizia la collaborazione con Gilda Contemporary Art partecipando alla mostra collettiva “La stella a 8 punte” ed alla rassegna d’arte “Gilda’s Wall_art for value” presso la Banca di Asti di via Manzoni a Milano.

Il mondo artistico di Ghezzi si inserisce in quel filone di indagine che vede Arte e Scienza camminare in parallelo ed anzi serenamente intersecarsi per dar luogo ad opere dal forte accento lirico.
Ghezzi le chiama “Naturografie” per indicare che la “grafia”, l’elemento segnico contenuto nell’opera, è appannaggio della Natura in quanto i supporti quali le tele e le carte, opportunamente preparati e “iniziati” dall’artista, vengono poi immersi in elementi naturali quali acqua, ghiaccio o terreno ed ivi lasciati a “maturare” o meglio a trasformarsi attraverso gli agenti atmosferici, la pioggia, il sole, le maree, lo scioglimento dei ghiacci, altri elementi organici, la flora e la fauna presenti sul territorio che vengono “inglobati” tutti dentro l’opera. La Natura in tal modo è invitata a “dipingere” il supporto così come fa l’artista. Sì, perché alla fine l’opera compiuta è senz’altro una “pittura” iniziata dall’uomo e terminata dalla Natura in un connubio, una interrelazione e una intersezione tra i due che ha un che di magico e lirico al tempo stesso.
Ghezzi è noto per i suoi viaggi in luoghi estremi del globo terrestre: dalla Groenlandia, al Sud Africa, dalla Danimarca alla Norvegia, alla Patagonia; ha lavorato con istituzioni scientifiche come l’Università di Roma La Sapienza, il CNR, gli Istituti Italiani di Cultura e i Consolati Italiani sparsi nel mondo per realizzare questo suo personale sogno di collaborazione artistica e pittorica che unisce in una intima connessione l’uomo e l’ambiente.
Ghezzi introduce un nuovo vocabolario e un nuovo modello di declinazione visiva del fenomeno artistico, attraverso l’enunciazione di una forma inedita del fare arte.
Attraverso l’esplorazione di territori incontaminati o, al contrario, altamente inquinati del pianeta Ghezzi contribuisce a monitorare lo stato dell’ambiente a livello scientifico; ma la sua vera funzione resta quella di aver fornito una nuova modalità espressiva all’arte, un archetipo artistico tutto ancora da esplorare ed espandere.

a cura di Cristina Gilda Artese
Opening giovedì 27 giugno ore 18:30
Ingresso libero
Sino al 31 luglio 2024

Gilda Contemporary Art presenta la personale del fotografo Mimmo Verduci dal titolo “Humani Florescere” a cura del direttore artistico della galleria Cristina Gilda Artese.

La mostra che occupa entrambe le sale della galleria, presenta una selezione delle opere di una serie di recente realizzazione, avente come tematica la sindrome di Hikikomori, o isolamento sociale volontario, ed un gruppo di lavori in continuo working in progress da parte dell’autore, dedicata al corpo come espressione identitaria in continua mutazione.
Verduci è un creativo poliedrico e dall’esperienza e competenze espresse sia nel settore delle arti visive, sia della musica e spettacolo, ma anche imprenditore dell’editoria. La sua esperienza professionale, oltre che esistenziale, lo ha portato negli anni ad un approfondimento dell’animo umano e dei percorsi esistenziali delle tante persone conosciute, incontrate e frequentate.
Questa esperienza di vita, unita alla innegabile sensibilità estetica, è sfociata nelle sue più recenti creazioni artistiche, come esito finale di un processo che è stato anche di crescita personale.
La serie dedicata alla sindrome di Hikomori, drammatica ed intimistica, pone sotto un rispettoso riflettore un fenomeno preoccupante della società contemporanea, che vede coinvolte specialmente le generazioni dei più giovani, i quali si rifugiano in un tranquillizzante isolamento da quello che percepiscono essere un contesto storico ed ambientale sempre più difficile e scarsamente inclusivo.
Le immagini fotografiche, con un sapiente utilizzo della luce, dei chiaroscuri, utilizzano l’elemento simbolico dell’ombra come strumento di narrazione di una vita sperimentata sottovoce e separata dal piano reale, dove il virtuale e l’isolamento prendono il sopravvento.
La serie di opere che danno più propriamente il titolo alla mostra stessa, Humani florescere, sono esposte nella seconda sala; una carrellata di ritratti di corpi per lo più femminili in sovrapposizione a pattern floreali, diventano metafora di quel continuo rifiorire che l’essere umano sperimenta nell’ambito del proprio percorso individuale.
Le opere ricordano l’aspetto e il fascino di tavole botaniche, dove il contorno del corpo si sovrappone ed interpone a fiori e foglie, talvolta in fase di fioritura, ma anche nel momento della fragile sfioritura e decadenza.
Sempre è presente una luminosa e spontanea bellezza (l’artista non utilizza mai modelle o modelli professionisti ma persone amiche), dove la luce si fa simbolo di spiritualità ed eternità.
Verduci ci vuole parlare “della fioritura del genere umano”, delle sue stagioni, fatte di fragilità, nudità, ma anche energia, splendore e spirito di adattamento e rigenerazione.

BIOGRAFIA
Mimmo Verduci nato in Calabria, si trasferisce a Milano all’età di due anni. È un rinomato Art Director, Designer, Fotografo e Regista, con una carriera che abbraccia vari ambiti della comunicazione visiva e del design. Dal 1992, è Direttore Creativo della Showtime Agency e, dal 2012, dirige la casa editrice Editori di Comunicazione Lupetti, specializzata in comunicazione, marketing, architettura e moda.
Nel corso della sua carriera, Verduci ha lavorato con numerosi artisti di fama internazionale come Eros Ramazzotti, Anna Oxa, Renato Zero e Patty Pravo, curandone la comunicazione, l’immagine e i videoclip. Tra i suoi progetti più noti si annovera “Abba Pater”, un lavoro che include otto videoclip, la copertina di un CD e un libro dedicati a Papa Giovanni Paolo II, riconosciuto tra i quindici migliori libri nei 25 anni di pontificato del Papa. Un altro progetto significativo è stato quello di coinvolgere cento personaggi famosi, tra cui pittori quotati e grandi artisti come Giorgio Armani, Mimmo Rotella e Milo Manara, per intervenire su cento tele rappresentanti fotografie di Eros Ramazzotti. Questo progetto ha visto la partecipazione di personalità del calibro di Lucio Del Pezzo, Mimmo Paladino, Mark Kostabi, Giò Pomodoro e Gianfranco Ferrè.
Dirige da 12 anni la casa editrice Lupetti, nota nell’ambito della comunicazione ,del marketing, dell’architettura e della moda.
Verduci è anche un esploratore delle nuove possibilità di ricerca e progettazione aperte dalle nuove tecnologie e dalla realtà virtuale. La sua filosofia si basa sulla consapevolezza che la visione della realtà e del corpo sono costruzioni in continua evoluzione e ibridazione, portatrici di identità multiple.
Ha presentato diverse mostre: nel 2019 “Aldilà dello spazio” presso lo Spazio Espositivo PVC de Il Sole 24 Ore 2019 e “Photo Festival”; nel 2021 Mostra al Castello di Scilla in collaborazione con l’Università Mediterranea e nel 2024 “Hikikomori” al Palazzo Terragni di Lissone.